动画歌曲作曲术最前线特辑，神前晓、田中秀和等创作者访谈分享
相信很多读者都想知道，融合了各种曲风的动漫歌曲是如何制作出来的。创作了众多热门歌曲的两位音乐人上前晓和田中秀和将从专业人士独特的视角来谈论动漫歌曲的制作。
肖申倩：
原本就职于南梦宫（现 Namco），2005 年秋入职。2006 年，他负责音乐的电视动画《凉宫春日的忧郁》大获成功。此后，他凭借其动听的旋律感，在配乐、动画歌曲创作和制作等多个领域活跃。他负责音乐的电影《烟火大会》于 8 月 18 日在日本各地的东宝影院上映。
。。作品：
田中秀一
2010年入职，担任神泽彰的助手。主要创作歌曲，创作范围广泛。最吸引人的特点是令人难忘的旋律和丰富的和声。曾参与《偶像大师！》系列、《偶像大师灰姑娘》等多人气作品的音乐创作。今年10月开播的电视动画《Wake Up, Girls! New 》片头曲《7》的作曲和编曲者。
。。作品：
首先从动漫歌曲创作者的角度来看，动漫歌曲的魅力和特点是什么？上前表示，动漫歌曲是“为作品而生的音乐”。例如，一部动漫的片头曲，伴随着89秒的影像，具有与影像融为一体的爆发力，这就是它的魅力。
不过，从音乐的角度来描述动漫歌曲的特点却出奇地困难。田中指出，动漫歌曲是多种音乐风格的结合，作曲往往非常复杂，节奏也非常快。但从某种程度上来说，日本偶像歌曲也拥有同样的元素。
总之，动漫歌曲往往充满了“猫腻”，为了在短短的89秒内吸引尽可能多的听众，动漫歌曲付出了不少的努力。
当然，J-POP也会用出很多“花招”来吸引听众听歌。不过动漫歌曲的“花招”往往更简单，在配乐的制作上更巧妙。动漫歌曲的伴奏往往很用心，声音的量感也非同凡响。这并不是说J-POP不注重伴奏，而是分寸问题。J-POP在创作构思时，“歌曲”才是主体；而对于动漫歌曲来说，则相反，“动画作品”才是主体。动漫歌曲不是卖歌曲，而是想表达作品的世界观。神崎彰认为，动漫歌曲的创作在歌曲和伴奏上都注重动画，通过两者的乘积来表达。
此外，动漫歌曲有一个不可动摇的“89秒”限制，可以说是其一大原则。上前本人会在最终阶段调整前奏的长度，因此感觉不到任何限制。对他来说，89秒应该说是太长了。如果没有前奏，写主副歌只需要70秒左右。
田中则觉得，89秒对他来说是个很大的限制，他写主歌和副歌的时候，一般都会超过89秒，如果写出“两首主歌和副歌→间奏→最后副歌”的完整版，往往会变成一首很长的歌曲。但另一方面，之所以会成立这种完整的结构，也正是因为主歌和副歌被限制在89秒。他认为，“89秒”不但限制了动画所用短版主题曲的长度，实际上也规定了歌曲完整版的发展。
接下来两位音乐家分别谈论了自己创作歌曲的方法。
上前作曲基本都是用键盘，一般用Logic Numa，如果比较认真，就用Kawai的数码钢琴。他一边弹键盘，一边用软件录歌。在随意弹奏中确定节奏和和弦感后，他便快速写出伴奏。在思考旋律的时候，大概有30%的编曲已经在脑子里了。
虽然 不会亲自演唱样本歌曲，但他会一边弹奏伴奏一边唱。毕竟是歌曲的旋律，不亲自唱出来是想不出来的。顺便说一下，他写伴奏的时候，基本都是用四大乐器和以下几个音源：
使用 MIDI 键盘弹奏 Ivory，在 Apple Logic Pro X 上录音，就像在搓碟一样。此时，他会水平构思歌曲，就像在唱歌和弹吉他一样。除了键盘，他有时还会弹吉他，根据类似于吉他即兴重复段的想法创作歌曲。
常用的音源如下：
虽然作曲时会用到吉他，但田中的作品中他自己并不弹吉他，而是先用 MIDI 写出来，再找专业吉他手重新录制。在创作伴奏时，他会用 MIDI 写出详细的调音。因为用了 MIDI，所以在后期创作乐谱时可以节省很多时间。
说到吉他，两位音乐家还就如何在动画歌曲中运用吉他发表了自己的看法。
田中表示，从“吉他系动漫歌曲”的角度来看，有几种固定的使用方式，比如在前奏和间奏中使用与合成器声相呼应的吉他乐句，或者在合唱部分使用倾向于强力和弦的双低聚焦吉他声来填充整个伴奏等等。但田中本人并不想尽可能地使用这些“吉他系动漫歌曲”。
上前开玩笑地称田中的想法是“叛逆时期”。但他本人其实也一样，对田中所说的主流用法不太感兴趣。不过话说回来，把握共同点还是很重要的。在遵守这些点的同时，如何找到新的出路才是关键。上前说，他认为吉他的魅力就在于“酷”。但他不认为刻意这样做就能装酷。相反，稍微与众不同一点，反而会让他感觉更酷。
田中还表示，当他在动漫歌曲中使用吉他时，他使用干净的切弦音，而不是失真的“灼烧”音。此外，虽然吉他是一种可以轻松同时发出所有六根弦的乐器，但他有时不会这样做，而是要求吉他手同时弹奏根音、第 9 音和第 3 音或第 7 音。
上前表示，吉他在音乐中的魅力在于它能够支撑起空间感和弦，即使配乐中吉他并不突出，但也有离不开吉他所无法实现的声像感。
田中补充说，吉他是一种即使没有噪音等没有音调的元素也能发出音乐的乐器。因此，当他请专业吉他手演奏伴奏时，他希望专业吉他手将琴弦移动产生的噪音作为音乐的一部分，而不是按照乐谱干净利落地演奏，所以他经常使用保留粗糙感觉的吉他录音。
谈及吉他，上前也指出，在电脑上写下了以合奏效果为目的的吉他 demo 后，到录音棚用真吉他开始录音时，有时会觉得自己写的“太多了”。田中对此深表认同。他表示，可能是因为电脑里的数字合成音总是缺乏说服力，所以难免会写得过满。因此，在用真乐器录音替换每一部分时，他会觉得“吉他没那么多就好了”。
因此，上前认为，对于吉他部分，可以说是在正式录音时和吉他手一起完成编曲的感觉。说得更极端一点，对于弦乐和管乐的录音，只要谱子写得足够用心，即使自己不在录音现场，也能录出不错的演奏。但对于吉他，必须有编曲者在现场。
说到动漫歌曲，不可或缺的一点就是其“朗朗上口”的特点。上前和田中都创作了许多朗朗上口的歌曲。他们是如何打造出这些歌曲“朗朗上口”的魅力的呢？
上前说，他经常思考这个问题。他觉得一首歌是否朗朗上口，取决于创作者是否把握好了歌曲中“常规”与“非常规”的比例。比如，如果旋律是常规的，那么难度就不大。但那些出乎意料、非常奇特的旋律，光靠理论是很难写出来的。
因此，上前自己刚开始写歌时，会先放开自我，自由弹奏键盘，发出不同寻常的声音。虽然他弹奏的旋律往往很普通，但偶尔也会有让人惊喜的地方。但如果只靠这种灵光一闪的灵感，未免太荒唐了。所以他要用客观的眼光去调整这段旋律，判断“这太难接受了”、“太无趣了”。如果开头切入的手法不够给力，那么无论他写多长，也只能写出一首千篇一律的歌曲。
这可能给人一种误解，以为只有最初的灵感才是最重要的。其实，打磨的方法也是关键。为此，上前写完一首歌后，有时会睡一晚，第二天再听一遍。这是为了能够适当地忘记自己写的歌。当你忘记自己的时候，你的视角才更令人印象深刻。此时，如果你还能感受到惊喜，就应该好好打磨，让它更加出彩；如果你觉得“这个地方太恶心了”，就应该重写这个地方。这不是技巧或窍门，只是一种手法。
田中听了这些话后深受感动，表示学到了很多东西。他表示自己越投入作曲，旋律就变得越奇怪。其实他也想向上前学习，调整一下旋律，写出更容易听的歌曲。
而上前则称赞道，田中能写出这种复杂程度很高的歌曲，这在好意义上是可以的。如果能用键盘弹奏出动画《偶像大师灰姑娘》主题曲《Ｍ@gic☆》的旋律，那简直太不正常了！听了田中刚才的话，上前觉得那些旋律是他精心构建的，他可以接受。
田中也称赞上前的实力，称他的歌曲都是“经过设计的”，但听起来却非常自然，没有一丝修饰，听者只觉得非常自然。这也是他了解上前的作品、尊敬他，并走上他今天这条路的原因。
另外，上前的优点是，他能把自己写的“如果把这样的旋律放进配乐里，一定会很好听”的旋律原封不动地放进歌曲里。例如《化物语》里的“ ”就是这种类型的歌曲。
再比如《人鱼又上钩了》的主题曲《七海おなみどになみど》，朗朗上口却又十分复杂的歌曲，田中称这是一首凝聚了上前魅力的歌曲。而且，不仅是田中这样的专业音乐人这么认为。这些歌曲的设计，也能让普通听众感受到“这首歌太棒了！”上前在这种“设计感十足”的歌曲中，可以说是独树一帜。
面对后辈们的热烈赞扬，上前也列出了一首希望读者听听的田中作品，那就是《安妮快乐♪》的主题曲《PUNCH☆MIND☆》。这首歌虽然用到了许多奇怪的增三和弦，但田中在创作这首歌时，一直在接受各种挑战。这种因技术挑战而诞生的不寻常的和弦使用方式，与动画本身的内容结合得很好，也保持了人气。这种平衡可以说非常完美，而上前也给人留下了深刻的印象：之前一直做一些奇怪的事情的田中，终于升华到了这种程度。
最后两位音乐家还为有志像他们一样创作动画歌曲的读者给出了宝贵的建议。
上前表示，希望大家多多抄录既有的歌曲，不局限于自己创作的歌曲或动画歌曲，从大量歌曲中掌握基本功。不仅需要凭耳朵抄录音乐，还可以购买官方乐队乐谱，将“答案”输入电脑进行研究也是可以的。他自己也经常一边听歌一边看乐队乐谱，分析“原来这部分歌曲是这样的”。因为乐谱就是这样一本能提供很大帮助的“教科书”。
田中补充道，在彻底抄袭自己喜欢的歌曲的同时，打磨“被这个地方感动了”的感觉也很重要。此外，也要把自己写的歌拿出来让别人听。即使自己没有足够的自信昂首阔步让别人听自己的作品，别人能给你客观的意义，如果得到称赞，也能增加自己的动力。田中说，保持一颗关心听自己歌曲的人的心是至关重要的。
